Fondos planos y limpios. Miradas que rompen el espacio y un amor indudable hacia la corporalidad y las bellezas andróginas. Así se identifican las obras de Virginia Arcaro.
Italiana de nacimiento, Arcaro es una artista visual y fotógrafa cuyas creaciones navegan entre pinturas, collages y fotografías, y que en su obra nos revela una visión muy personal de las nuevas generaciones, de la contemporaneidad y de la moda. Tras desarrollar un estilo original y sintético que se acerca al minimalismo y al detallismo purista, Arcaro, con una herencia de las culturas underground, concibe su trabajo como un viaje hacia la búsqueda de lo «Auténtico». Sus editoriales de moda desprenden un fuerte componente realista, y en ellas vestuarios y accesorios asimilan una función comunicativa para convertirse en un medio que da forma a las visiones de la artista.
Arcaro trabaja principalmente entre Milán, París y Londres. Sus fotografías han sido publicadas por The Greatest, Hunter Magazine, Vogue París y Glamcult. Mientras que entre sus clientes se encuentran Dior Homme, Acne Studios y Saint Laurent. Nosotros hemos hablado con ella para que nos cuente más sobre su producción artística.
Hola Virginia, cuéntanos algo sobre tus comienzos.
Desde que era niña siempre he desarrollado una afición hacia la creatividad. Pasé la mayor parte de mi vida creando imágenes y recurriendo a mi gusto personal y mis estudios en función de ellas. Todo empezó con el dibujo, para luego llegar a la pintura y, en los últimos años, a la fotografía.
Nunca he tenido dudas sobre cuál hubiera tenido que ser mi camino. Tampoco creo que esto tenga que ver con una elección consciente, se trata más simplemente de un proceso natural. Ésta ha sido mi vocación desde el principio.
Entonces, estudiaste pintura como especialidad en Bellas Artes. ¿Cómo crees que pintura y fotografía se influencian mutuamente en tu obra?
Amo las tradiciones, pero sin intención y con un hábito inmutable consigo romper algo en ellas que lleva a la consecuente, como obvia, imposibilidad de poder seguir definiéndolas como tales. Mi trabajo fotográfico nunca ha sido relacionado con el hecho de ser fotógrafa, pues más bien está vinculado con el mensaje e imaginario que comunico a través de la fotografía.
Lo que hago es simplemente expresarme a través de un medio: sea la imagen fotográfica u otras formas de expresiones compatibles con el trabajo que estoy creando en ese momento. He pintado durante muchos años y reconozco que mi estilo inicial, puramente pictórico, ha evolucionado en comparación con las pinturas del primer período. Es cierto que eso pasó también gracias a la fotografía.
De hecho, mis obras artísticas actuales son piezas hechas en técnica mixta, donde imprimo y re-elaboro mis fotografías con pinturas sobre lienzo o papel.
Tus obras se caracterizan por la eliminación de lo superfluo, una elección que nos proporciona imágenes en bruto, directas y dominadas por elementos esenciales pero impactantes.
A veces, cuando pienso en una imagen, busco algo que pueda considerarse extremo a nivel visual, mientras que en otras ocasiones prefiero concentrar mi atención en la belleza de una atmósfera o de una cara. A menudo enfoco mi atención en el cuerpo y en el rostro humano, que creo que son el verdadero emblema de la figuración. El aislamiento de la figura es también un elemento recurrente en mi trabajo, de ahí emerge la elección de poner el sujeto sobre un fondo neutro y limpio.
Fondos tan planos y limpios. ¿Por qué es esta afición?
Francis Bacon es uno de mis artistas predilectos. Creo que su trabajo pictórico ha sido una gran inspiración a la hora de relacionarme con los fondos planos y limpios.
Palacios, suburbios, escenarios que visualmente recuerdan el decadentismo ruso. Háblanos de las ubicaciones que sueles usar.
Mis raíces ciertamente han jugado un papel decisivo y han influido en la forma en que me expreso y describo la realidad. En cuanto a mi preferencia por este tipo de escenario, me siento más conectada con esta tipología de lugares, dado que crecí en ese contexto.
¿Cómo ha evolucionado tu trabajo relativamente al viajar tanto?
Siempre me ha gustado viajar, y es una de las partes que más me gusta de mi trabajo. Encontrarme en un lugar diferente cada vez, con diferentes personas y culturas. Es estimulante y es una experiencia continua de crecimiento personal y enriquecimiento intelectual.
Una de tus editoriales más recientes, realizada en colaboración con la marca independiente Heliot Emil, ha sido publicada por Funnytastes Magazine. Es muy interesante la idea de no publicar no las imágenes originales, sino sus fotocopias. ¿Por qué esta decisión?
El tema del número de la revista es «Fast Fashion». La opción de haber usado solo ropa y accesorios de una marca independiente como Heliot Emil, en lugar de utilizar artículos y accesorios más pertenecientes al mundo del luxury, ha sido fundamental a la hora de poner en evidencia una crítica tanto a lo que es el consumismo obsesivo que caracteriza nuestra contemporaneidad, como al anhelo excesivo que se creó en torno a las tendencias del momento y el problema de la sobreproducción.
Todas las imágenes son fotocopias, para dar mayor fuerza al concepto de crítica «de la copia de la copia de la copia» en términos de producción de muchas marcas del momento. El mismo concepto se aplicó a las imágenes de la serie, que son voluntariamente similares entre sí. Un concepto que también nos lleva de inmediato a la idea de la repetición.
En cambio, una de tus nuevas series pictóricas se titula «NO TIME, ONLY ETERNITY». ¿A que se asocia la elección del título? Y específicamente, un trabajo de esta serie presenta un uso particular del blanco, asociado con la técnica mixta del collage y la inserción de vendajes. ¿Puedes explicarnos el valor simbólico de esta combinación de elementos visuales?
Con esta serie de trabajos realizados en técnica mixta sobre tela me vinculé al tema del tiempo y la eternidad para reflexionar sobre la imposición que mente, pensamiento e ideas actúan con respecto al cuerpo y su fugacidad.
En la obra a la que te refieres, la cabeza del joven se separa del cuerpo, que se encuentra disuelto, suspendido en el blanco, el color símbolo de la luz e iluminación del pensamiento. Las vendas, por otro lado, son una referencia simbólica al tiempo y a la eternidad, una referencia a la técnica de momificación perteneciente a la civilización egipcia, que fue hecha para asegurar precisamente que el alma de los muertos pudiera vivir más allá de la muerte de su cuerpo.
Y en fin, háblanos un poco acerca de tu proyecto personal: NO HOPE – NO FEAR. ¿Cómo nace y qué son para ti esperanza y temor?
Para mí, el proyecto NO HOPE – NO FEAR es un estado mental. El título se debe a una reflexión sobre el peso decisivo que tienen la esperanza y el miedo, constituyendo la sustancia y la raíz de la voluntad. La noción de tiempo es un concepto ilusorio de organización convencional. Todas las experiencias se ven y se crean en el momento presente, donde el pasado se concibe solo como una memoria y el futuro se reconoce como total o parcialmente especulativo. El miedo y la esperanza siempre están unidos porque ambos son formas de pensamientos ansiosos que alejan nuestros recursos físicos, mentales y emocionales del momento presente.
Cuanto menos nos dejemos guiar por la esperanza y el miedo, más clara será nuestra visión de la vida. Pasando de la pasividad de la esperanza a la creatividad de la intención y la aspiración, se alcanza una clara comprensión del momento presente, en el que la visión se hace más amplia y profunda. Al lograr profundamente la mortalidad o la interdependencia de otras personas y situaciones, penetrando profundamente en lo que realmente son, se alcanza una conciencia expandida. Las esperanzas y los temores se abandonan y, por lo tanto, somos libres de descubrir la claridad, dándonos cuenta de que nada será para siempre, aprendiendo a vivir con un cambio constante.
El resultado de mi investigación, en lugar de llevarlo al lienzo, o traducirlo sólo a través de una fotografía, se expresó a través de un trabajo gráfico, que luego imprimí en varias prendas como camisetas y sudaderas. En esta perspectiva, la prenda misma se convierte en una obra de arte que se puede llevar.
